Mat Osman sobre el nuevo álbum de Suede 'Autofiction' e invertir en la base de fans

Tras reformarse en 2010, mantener a su banda como una entidad en movimiento fue crucial para los miembros de los rockeros alternativos del Reino Unido. Gamuza.

Cada uno de los cuatro álbumes de estudio que siguieron ha explorado nuevos territorios, empujando constantemente la música hacia lugares emocionantes.

Sobre el último álbum del grupo. Autoficción, el noveno, el objetivo era capturar la esencia de los estridentes sets en vivo de Suede en el estudio como nunca antes, grabando en vivo frente a los fanáticos con un mínimo de músicos de acompañamiento o sobregrabaciones.

Si bien la pandemia terminó dificultando la inclusión de los fanáticos en el proceso de grabación real, el producto final, sin embargo, logra el objetivo, con la nueva canción "¿Qué soy sin ti?" sondeando la dinámica crucial que existe entre la banda y el fan, definiendo la experiencia de un concierto en vivo.

“Brett tiene esta cosa. Creo que es un talento raro. Escribir estas canciones que, en la superficie, son canciones de amor bastante tradicionales. Pero, en el fondo, está pasando algo bastante extraño. Y ese fue exactamente eso”, dijo el bajista Mat Osman sobre la composición del nuevo tema del cantante de Suede, Brett Anderson. “Es muy fácil de escuchar como una canción de amor muy tradicional. Pero creo que vino por no poder tocar en vivo, la repentina comprensión de que una banda sin público... no es nada. No somos nada sin ellos. No sois más que cinco tipos en una habitación —explicó—. “Es solo un reconocimiento de que nada de lo que hacemos significa nada sin que la gente escuche”.

Durante una parada reciente de la gira en Chicago, en medio de un rara carrera co-encabezada en EE. UU. con Manic Street Preachers, el bajo slap de Osman dio inicio a “The Drowners”, Anderson cantó codo a codo con los fanáticos tomándose selfies en el piso del Auditorium Theatre, “Animal Nitrate” llevando a los fanáticos al frenesí momentos después.

Hablé con Mat Osman sobre trabajar para capturar el espíritu del frenético set en vivo del grupo en Autoficción, la relación de Suede con sus fanáticos y vigilando más de cerca el lado comercial desde la reforma. Una transcripción de nuestra conversación telefónica, ligeramente editada por su extensión y claridad, sigue a continuación.

Sé que capturar el sonido en vivo fue un objetivo real esta vez (incluso si la pandemia lo frustró un poco). Especialmente saliendo de los últimos dos álbumes, ¿qué hizo que eso fuera tan importante esta vez?

MAT OSMAN: Creo que fueron dos cosas. Creo que en parte fue porque los dos últimos discos fueron muy cerebrales y bastante complicados. Había orquestas y piezas de palabra hablada. Y creo que sentimos que habíamos llegado tan lejos como queríamos. Más allá de eso, es algo así como Talk Talk o algo así. Y no queríamos ir allí.

Pero creo que, en general, como personas, como banda, cada dos años nos reiniciamos. Volvemos al principio y tratamos de averiguar qué es lo que hace que esto sea mágico y qué es lo que te hace querer hacerlo.

Y porque tenemos esta extraña historia. Coming Up fue como un segundo álbum debut, ¿sabes? Era como una nueva banda básicamente. Y Deportes de sangre, cuando volvimos cuando llevábamos una década fuera, todo estaba empezando de nuevo. Cada pocos años, tenemos un desastre y tenemos que empezar de nuevo. Y esta vez, simplemente decidimos empezar de nuevo sin el desastre.

Había algo que realmente me llamó la atención sobre la idea de tratar de capturar el sonido en vivo. Porque sé que no grabaron con muchos músicos extra para lograr eso. Irónicamente, se ha convertido en un momento en que muchas bandas confían en las pistas de acompañamiento mientras están en el escenario en lugar de utilizar a esos músicos adicionales. ¿Qué tan importante fue para ustedes evitar eso, ya sea en el escenario o en el estudio?

MO: Siempre ha sido vital para nosotros, muy importante.

Una de las cosas que hicimos cuando volvimos fue mirar a otras bandas que se habían reformado. Y fuimos a ver a un par de personas cuyos nombres no mencionaré. Y quedó muy claro que lo que estaban proporcionando era un recuerdo: era el disco reproducido con una precisión increíble con un par de músicos de sesión y cintas de acompañamiento. Pero bien podrías haber estado en la sala de estar.

Creo que, de nuevo, porque chocamos y nos quemamos, teníamos mucho que demostrar. Y la primera vez que ensayamos, dijimos, “Muy bien… Hagámoslo realmente pequeño – apretado. Y que seamos los cinco con contacto visual, pudiendo vernos, y simplemente jugaremos”. Y ese ha sido nuestro mantra desde entonces.

Y una de las cosas que siempre me ha frustrado es que nunca hemos capturado realmente ese drama y ese poder en el estudio. Y fue un intento muy deliberado de capturar eso esta vez. Creo que nos acercamos más que nunca. Creo que hay una especie de crudeza y irregularidad que probablemente no hubiéramos tenido la confianza de dejar antes. “She Still Leads Me On” es aproximadamente cinco BPM más rápido al final que cuando comienza. Hay errores y cosas ahí. Y queríamos capturar eso. Queríamos que se sintiera como si estuvieras en la habitación con nosotros.

“¿Qué soy sin ti?” se lee como una especie de canción de amor para su audiencia. ¿Qué tan importante fue tocar esa nota?

MO: Brett tiene esta cosa. Creo que es un talento raro. Escribir estas canciones que, en la superficie, son canciones de amor bastante tradicionales. Pero, en el fondo, está pasando algo bastante extraño. Y ese era exactamente eso. Es muy fácil de escuchar como una canción de amor muy tradicional. Pero creo que vino por no poder tocar en vivo, la repentina comprensión de que una banda sin público... no es nada. No somos nada sin ellos. No sois más que cinco tipos en una habitación.

Todas estas cosas están interrelacionadas. Una de las razones por las que queríamos una sensación en vivo es tener la sensación de que estamos todos juntos en esto. Un gran espectáculo en vivo se trata tanto de la audiencia como de la banda. No puedes tener un gran concierto con una audiencia tan grande. Simplemente no importa qué tan buen músico seas, se trata de ese intercambio de energía.

Estaba llegando al punto de darme cuenta de que, especialmente la primera vez, puedes sentirte muy indiferente con la gente que escucha; simplemente asumes que hay una audiencia allí y que comprarán tus discos y vendrán a tus shows. Pero, a medida que envejeces, creo que la sensación de que realmente has afectado la vida de las personas y eres parte de la vida de las personas se vuelve algo mucho más importante.

Formamos una banda por las mismas razones por las que la mayoría de la gente forma una banda: presumir, ser escuchado y conseguir chicas. Pero no puedes ser así a los 50. Y, de repente, la idea de que lo que estás haciendo se entrelaza con momentos importantes en la vida de otras personas se convierte en algo realmente hermoso.

Es solo un reconocimiento de que nada de lo que hacemos significa nada sin que la gente escuche.

“Turn Off Your Brain And Yell” suena como un himno pandémico. De alguna manera resumió mi mentalidad pandémica a veces de todos modos. Sé que fue la última canción escrita para Autoficción. ¿Fue una especie de respuesta a lo que estaba pasando en el mundo?

MO: Dios, sí, quiero decir que el disco estaba terminado. Pero no sé, en realidad se terminó cuando casi había terminado el tipo de cierre. Sin embargo, es casi un resumen del registro. Se trata de ese tipo de sentido primitivo de la música, ¿sabes? Algo así como "Trastorno de la personalidad", cuando tocamos eso en vivo... es algo puramente físico. Pero hay algo absolutamente genial en eso.

Cuando volvimos por primera vez, cuando la banda se reformó y tocamos en el Royal Albert Hall, me di cuenta de que esa cosa física era algo que había olvidado por completo. Lo físico: el sonido de una banda masiva de mierda a través de parlantes enormes y lo que te hace físicamente. Y eso es lo que es esa canción.

Es sin cerebro. Se trata del cuerpo y el corazón.

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Estoy mirando la línea de tiempo de tu banda aquí. Vosotros os vais en 03, justo cuando la industria de la música está realmente arrasando con Internet. Regresáis en 2010 y está en pleno apogeo en ese momento, con importantes consecuencias para los artistas. Como alguien que estudió en la London School of Economics, cuando te encuentras en una industria tan radicalmente diferente como esa, ¿te resulta útil ser un poco más consciente del lado comercial?

MO: Oh sí, completamente. Estamos a cargo ahora. La primera vez, fue casi una lección abyecta sobre lo que no se debe hacer. Simplemente asumimos que alguien más estaba pagando por todo. Nunca se nos ocurrió que cada maldita cosa, cada lujo, cada aftershow, cada botella de champán, regresaría a ti en algún momento.

No lo hubiera cambiado por nada del mundo. Fue una explosión absoluta, realmente lo fue. Pero, sí, hoy en día, somos mucho más: hacemos los discos nosotros mismos. Nosotros mismos pagamos los discos y luego se los damos a las compañías discográficas. Me encanta hacerlo de esa manera. Es mucho más tenso. Y significa que tenemos que pensar en cosas financieras, para las que ninguno de nosotros tiene aptitudes. Pero se trata de controlar. Llegamos a hacer los registros que hacemos.

Hemos sido increíblemente afortunados. Vendimos muchos discos cuando vender muchos discos te hizo ganar mucho dinero. Y hemos tocado en muchos festivales cuando tocar en festivales te hace ganar dinero. Golpeamos el punto dulce en ambas ocasiones.

Es mucho más difícil para las bandas jóvenes. No puedo imaginar lo que una banda como nosotros haría ahora. Conseguimos un contrato discográfico en nuestro primer sencillo y ninguno de nosotros volvió a trabajar. Solo hicimos música. Y luego veo grandes bandas hoy en día... y están trabajando en bares durante el día. Y me parece absolutamente una locura. Realmente lo hace

¿Qué tan importante es encontrar continuamente nuevas formas de impulsar la música y no solo confiar en la nostalgia?

MO: No lo haríamos de otra manera. Realmente no lo haríamos.

Una de las cosas buenas es que siempre siento que podemos permitirnos una especie de Coming Up gira o una reedición del 20 aniversario de algo, siempre y cuando la mayor parte de lo que estemos haciendo sea con visión de futuro.

Simplemente nos hace... Creo que sentimos que nunca lo hicimos bien. Y creo que fue algo fabuloso que rompiéramos. Porque creo que siempre hemos tenido esa sensación de tener que hacerlo mejor. ¿Usted sabe lo que quiero decir?

Este, creo, es el mejor disco que hemos hecho en mucho, mucho tiempo. Y todo lo que me hace sentir es que quizás el próximo sea el indicado. Tal vez finalmente lo hagamos bien.